主办单位：上海多伦现代美术馆开幕酒会：2012年12月22日（周六）下午3:00展览时间：2012年12月22日至2013年1月13日展览地点：上海多伦现代美术馆（多伦路27号）网站：http://www.duolunmoma.org/总策划：张永林展览总监：杜芳设计：史志坚项目经理：包正元策展人：马岩展览助理：顾家俊艺术家：陈伟、陈永伟、郭宏伟、胡晓晓、金施、康海涛、廖飞、李景虎、马秋莎、石至英、苏畅、尚一心、沉亮、陶大民、吴迪、肖江、向清华、于吉、殷毅2012年12月12日1月22日-1月2013年13日，上海多伦现代美术馆将举办第五届上海多伦青年艺术家联展，主题为“日常风景：一种生活实践”。作为具有中国本土名称的青年艺术双年展，每两年一次的上海多伦青年艺术展已经走过了第九个年头。首届上海多伦青年艺术展于2004年9月上海双年展期间举办。展览采用邀请上海本土知名艺术家以化名参加青年展的模式；第二次展览通过征集提案的方式邀请了来自全国各地的人们。来自世界各地的当代艺术家参与其中；第三个展览以“囧”字为展览主题，采取征稿、网上报名的方式，选拔在校生和刚毕业的新锐艺术家参加展览； 2010年，“后传统——放大”作为第四届青年艺术家联展的展览主题，“切片”采用话题讨论的方式，在艺术圈引起了极好的反响。2012年，各种“青年艺术家”展览在发生之后，我们仍然按照自己的节奏，以艺术创作中的日常面貌和日常经验为研究课题，开始对青年艺术创作进行梳理和书写。从“集体”思潮的创作方式转向与日常生活、日常经验的对话，注重“个体”艺术价值的努力。对日常生活的关注往往停留在一种自然状态和具有普遍意义的常识上，一个简单的前图像学层面——即观察日常生活的气质是琐碎的、感性的、直接的；除了这些基本存在之外，日常生活还包括观察、体验、感知甚至反思理论的各种态度和实践。本次展览将聚焦和探讨年轻艺术家在创作中面对日常生活的各种态度和理解。还将从艺术世界、艺术家、艺术品和艺术本体的角度探讨当代青年创作中的日常生活实践。方式，以及青少年艺术创作和作品中“日常”的多种表达和呈现。日常生活观是生活实践中积累的动态经验，是感觉与理论之间的态度，是面对生活时对私人经验的感悟，是更深层次理解和思考的可能性。这些艺术家在具体的艺术创作中，着眼于日常生活的微妙体验，“强迫”眼睛去发现琐碎生活的强度和细节，强调对自身生活的体验和再发现，关心对过程和过程的把握。对时间的追问。作品展现出浓厚的日常气质，是一种综合性的生活创作方法和视觉体验。从日常观念和观念出发进行创作的年轻艺术家，以日常物品为创作素材。对他们来说，艺术作品成为融入日常生活情感的“容器”，成为日常经验与艺术家自我的对话，成为现实。生命的思想延伸，而不是孤立地呈现出物质形式。
这些年轻艺术家的作品观念方向并不是很明确。艺术感染力主要投射生活世界中看似不重要却又与自身气质和艺术表现力如此接近的日常物品。生活的环境、他们居住的城市，以及老房子的瓦片、草坪、杯子、普通的物品，都成为了他们关注和表达的对象。他们通过日常生活场景、现象和经历来探索视觉的有效可能性。 “日常”也有其多重逻辑和表达，在这些年轻艺术家的创作中，对日常生活有几种不同的视觉介入角度，对生活经验的“借用”和“修辞”也有不同的态度和倾向：一是以日常物品作为思考元素，表现在对生活空间和物品的体验和迷恋，并进行艺术创作；二是对生活世界和日常经验的反思和理解，在平凡的生活中寻找艺术的力量；另一种情况是作品基于气质的日常观点的内心书写。本次展览试图探讨的问题除了艺术家对日常生活元素的借鉴外，艺术与生活如何相互影响，以日常生活的形式呈现的艺术与日常生活有何不同？结合生活实践的私人体验和日常生活的多种可能性，是否会产生共同的日常生活观？通过对这些艺术家的个案收集和梳理，我们希望这些作品能够成为殊途同归的典范。生存空间和物体是一种“小写”的日常生活。这里的日常景观被表达为将物体和生活空间作为一个元素进行思考的创造性体验。艺术家从现实和生活实践中寻找“可写的物体”，通过描绘和排列，释放“平庸”物体的视觉可能性，以相对“温和”的文化视角寻找物体过往的记忆和情感寄托。艺术家所选择的创作对象和材料都是平凡的事物，来自于生活中的平凡事物。艺术语言在作品的细节中得到释放。作品与日常生活有着天然的亲密感，与艺术家的私人情感有着时间和经历。在港口。陈薇的摄影作品充满了丰富的电影质感和黑色幽默。在对道具和场景的出人意料的安排和深思熟虑的构建和重组中，他常常赋予平凡的物体一些异常的魅力和象征意义，画面中透露出一种戏剧性的冲突和张力，近期的新作品逐渐从以前的复杂和复杂转向场景和叙事以更加凝练和简洁的舞台语言，以及对平凡琐碎事物的描绘，呈现出绘画般的“静物”。回到既熟悉又陌生的日常生活。陈永伟通常用动画和绘画来表现他对生活经历和记忆的解读。他的《记忆透支背书》《办公桌上的恍惚》等作品从日常生活的角度出发，显得冷静而敏感。捕捉自己与外界互动的状态，并以简单简洁的方式记录下来，试图引发一场关于过去与现在、记忆与现实的讨论。郭宏伟的品味是简单的、淡薄的、富有诗意的。他通常以纸杯、纸卷、牙刷等工作室常见的物品作为创作主题；他近期的新作品从充满触手可及的日常物品的工作室走向了更广阔的领域，延续了对矿物、鸟类和植物标本的主题，以绘画方式进行收集、总结和描绘。郭宏伟的插画风格水彩画始终对他所生活的世界中那些平凡、微小、平常的事物充满好奇。胡晓晓擅长并习惯以日常生活物品作为创作素材，并将其与与过去和现在相关的日常物品重新融合，从而揭示出她日常接触到的抽象信息表象下的思辨内涵。她策划的许多装置作品在观念内容的表达和制作材料的选择上并没有迎合女性的经验。相反，他们似乎坚持着女孩的敏感体验，结合浓厚的怀旧基调来照顾处境。个人成长的痕迹和生存记忆。沉亮以年轻一代共有的怀旧与回忆作为作品的基调。
早期的漫画系列中，旧图像被放大并覆盖着强烈而厚重的笔触，而近期的黑白拓片式绘画则以怀旧的物品和黑白旧照片为基础，刻意创造平面绘画的图像。塑料的三维感在颜料和图像中的物体之间产生了张力。就像拓片一样，记录着消失的过去。充满物质颜料的作品成为一个物体而不是一个物体。一种带有厚重视觉质感的画面，其背后蕴藏着艺术家日常的记忆和经历。尚一心的作品关注点从单纯探索画面上光影的变化，拓展到了光、物、影关系的综合呈现。在一系列的装置和灯光作品中，“光”是多个角度、不同方式的“光”。观看“物”，伴随着产生“物”的空间的“影”。阴影与阴影交织、叠加、聚集成新的形状。尚一心用距离、角度、重量、变形等日常手法，将“物体”定格在光影交织下的虚拟瞬间。陶大民关注各种无用的、废弃的物品和自然物体，如包装、纸箱、杂物、树枝、水果等，并把它们作为画面本身和描绘的对象。经过素描、绘画和重组，他每天创作的生活“形状”在这些剩余的图像中诗意地呈现。散落着一些琐碎物品的局部场景画，放大了微观场景，用“物证”来想象身处其中的人，形成一个有情感的视觉空间。小江对日常生活中的“场景”很着迷。画面中布置的杂乱空间——破旧凌乱的客厅和书房、废弃的工厂、肮脏的厕所，大多取材于生活和电影的片段，并以各种方式布置。尽可能多的材质细节被用来创造琐碎而物化的日常场景。这些场景往往因人们的习惯而被忽视，但在艺术家独特的视角下，它们被截取并重新组合，营造出一种被气氛笼罩的基调。充满了艺术家的个人情感。向青花的转变是从一系列关于文字与图像关系的日常绘画练习开始的。图像对应不同的文字，用“图像文字”的表达来揭示视觉与概念、观看与阅读之间的错位。而他对绘画与作品本身、文本符号和图像之间关系的不断探索和实验，以绘画本身作为语言分析的对象，使具体的绘画作品成为真正自觉的自我实践。异化的日常生活列斐伏尔把日常生活比作隐藏在鲜花和茂密森林下的土壤，它蕴含着隐秘的生命力和丰富的意义，也蕴藏着无限的他者。通过对周围生活和日常生活的体验，作品被作为反思自我和日常生活的一种方式。与具体的日常感受相比，这是一种抽象的、异化的日常生活。这些提取出来的日常物品已经无法回归日常生活，而是以“问题”的形式呈现在作者和观者面前。艺术总是想表达隐藏在日常生活中的问题，尽管是以一种残缺不全、充满幻觉的方式。这些艺术表现的内容虽然是对日常现实的拥抱，但其艺术的语言逻辑却不是日常语言，而是一种陌生化的反日常语言。一些矛盾的、暧昧的、微妙的特征赋予日常生活独特的生命力。在艺术与生活的“脉搏”运动中，激发日常生活中潜在的内在能量。马秋莎的创作从不回避日常性。对她来说，日常生活的片段里还有更多值得探索的地方。在她游刃有余地运用多种媒介的创作中，她经常用细腻而女性化的个人经历来探索人与人之间微妙而复杂的关系。她用自己的身体或身体部位来传达她对成长经历的微妙理解，成为了马秋。这是莎士比亚视频创作中反复出现的特征。在他的新作品、装置和影像作品中，一如既往地探索关系，但这一次，关系从物理经验转向日常生活经验和事物，以及日常材料和物体的原生属性。通常的情况被去掉，而其背后的符号和隐喻被注入其中。
金石的装置作品带有浓郁的城乡结合部气息。这种草根方法带来了独特的个人体验。 《小本生意》系列中，用最日常的材料，为底层民众打造娱乐设施和娱乐设施。三轮车这种廉价的奢侈品与真实的细节的结合，揭示了平凡生活中的荒诞戏剧场景。李景虎有着一贯的基于日常生活的创作经验，他对自身和周围环境的观察细致而微妙。他的装置作品与生活有一种天然的亲密感，所选择的物体和材料都是普通的东西。他把它们当作一个对生活寄予厚望、对周围事物产生热情的小人物，细致地观察它们、研究它们，然后分解、组装它们的元素，将它们重构为现实。李镜湖思考的问题直接来自他的生活，而不是某种艺术的策略性想象，这使得他的作品更贴近生活的本质。廖斐的日常词汇常常与草图、计划、实践或哲学、科学和未知联系在一起。没有固定的媒介、清晰的符号或深化的主题。他的创作经历就是不断地在生活经历中寻找灵感。感兴趣的话题，并用艺术的方式或名称来提出问题和交流，平凡的事物在廖斐的思考和实践下似乎具有炼金的特征和可能性。苏畅的雕塑始终是关于他自己以及他与周围生活的关系。他将公共空间中普通的“新村”景观，如街道、建筑、树木、梯子、长凳、墙壁等与日常生活密切相关的建筑，全部还原为模型大小的超写实雕塑。并添加了时间的痕迹，原来居住空间中的美好记忆在怀旧和不舍的情绪下被凝固，构建了一个无法移植的理想空间。出来回顾一下现在的比喻。吴迪或多或少受到了马修巴尼的影响。她的装置和绘画展现了波普和哥特式的华丽混合。丝绸、图画或手术刀、针、绷带、切割等与日常事物和谐相处。拼接组合、优美的女性视觉与醒目图像之间的对比产生了一定的反差，这使得吴迪的作品透露出一种“温柔的暴力”，释放出生命的隐喻。席勒将艺术家分为两种类型：悲伤的和单纯的：悲伤的艺术家向社会呼喊，乞求艺术的救赎；悲伤的艺术家向社会呼喊，乞求艺术的救赎；简单的艺术家以自然的方式表达自己并进行创作。此次入选的青年艺术家显然属于后者。个体的生命充满了内在的体验和能量。他们在日常生活经验中寻找视觉审美维度，进而探索日常经验与自身气质的契合点。对他们来说，材料、技术、技术和媒体对他们来说都很重要。说话不再是最大的问题。如何思考、表达自我以及对艺术本体语言的“有限”理解成为焦点。对于他们来说，作品更多的是艺术家对艺术的“态度”，以及他对待日常生活、自然、时间和过程的态度。一种关怀，内心的细腻，促成独特的审美气质，凸显精神支点。在这个时空碎片化的社会生活语境中，这种艺术的表现具有一种内在的视野。康海涛的绘画中没有具有特殊表现功能的符号或结构。相反，他大多选择简单的夜晚场景。他通过具有独特个人风格的语言运用，赋予平凡的场景以不同的精神理解。他以夜晚为内容和基调，将常人习以为常的日常经验转化为陌生的视觉范式，在不确定的视觉体验中塑造出平静、厚重、舒适的精神形象，从而将绘画品质发挥到极致。它是终极的，使语言本身或多或少地概念化。石至英标志性的黑白系列绘画和影像作品描绘了草坪、大海、石头、一个杯子、一双鞋子等日常物体和自然风景，与绚丽的山水社会形成了强烈的视觉对比。简约中带着一种无形的内敛张力，流露出当代心境中久违的自然带来的“高贵感”。
于吉在工作中非常注重体力干预和密集劳动。他用极简的材料，如奇石、苔藓、树枝等来塑造时间和空间，使作品的制作本身成为一种理解和挖掘的艺术。艺术与自我的关系过程将艺术劳动视为一种将事物转化为生命的身体体验。因此，对于季军来说，最终作品的视觉呈现只是某种“沉思”和日常实践的结果。尹毅是城市声音的收集者、记录者和保存者。这个城市日常的声音片段，无论是地铁、花鸟市场、晚报，还是生老病死，对他来说都是重新认识和思考关系的“聆听者”声音、空间和人之间。作为一名实验艺术家，他以自己的方式再现听觉空间。在消除声音的工具理性的同时，他还引入了图像的体验，从而将其转化为某种凝视和体验的“沉浸”。艺术介入日常生活的方式和立场，前所未有地挑战着中国当代艺术的内在神经。从上述艺术家的自我实践中，我们可以看到一个与以往明显不同的思维特征：艺术家作为个体的思想洞察，从不同的境界对生活场域和日常经验进行探索和思考，构建自我——生活身份。与艺术的关系。艺术是这些年轻艺术家的日常体验。如何在艺术实践和创作中探索并建立自己与日常生活的对话成为了他们的艺术出发点。他们反复追问：自我实践应该是什么样子，才能避免成为社会形态的注脚，而成为一种释放的过程？自我修行应该是什么样子，才能在自我释放的过程中找到自我认同？正是这些问题，引导他们“逃离”整体的社会形态问题，回归日常生活的细节，从身边事物的体验出发，开辟思考艺术的新视角和思维方式。
